UN ESTILO DE VIDA

La música electrónica entró en mi vida ya hace unos meses y la verdad es que antes nunca le había prestado atención y aficioné a su producción y a su uso y no quería pasar la oportunidad de mencionarla en este blog como última entrada, para mi es una forma de arte urbano, pero no deja de ser una creación que sale del subconsciente que relaciona música y es capaz de conjugarla. Aunque para muchos esta disciplina no sea un arte, es una manera de entender la música diferente y completamente válida. Os dejo con una pequeña muestra sencilla de lo que es y a lo que me refiero.  Con esta entrada me despido del blog y quería que fuese especial. ¡FELIZ NAVIDAD A TODOS!

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¿Por qué ignorar las obras feas?

En la ciudad de Dedham, Massachusetts, hay un museo que parece funcionar como cualquiera: recibe visitantes, expone piezas, recibe donaciones, vende suvenires de sus cuadros… Sin embargo, tiene algo que lo hace algo particular: las obras que expone son muy malas. A pesar de esto, parece ser que son tan malas que merecen ser expuestos.

Su nacimiento es tan curioso como su arte. El americano Scott Wilson encontró una pintura abandonada y, en plan broma, dijo que era una obra de arte; por otra parte, el acompañante de Scott quería quedarse con el marco y tirar el lienzo. Este cuadro titulado «Lucy en el campo con flores», es también llamado la «Mona Lisa del MOBA» por ser  el origen de tan singular proyecto.

Tras el hallazgo, comenzaron a recopilar cuadros que podrían haber acabado en la basura, y en 1993, en una fiesta, se les ocurrió inaugurar una especie de galería de arte que pronto tuvo un inesperado éxito.

Scott acondicionó su sótano, colgó los cuadros y así nació oficialmente el  Museo de arte malo, Museum of Bad Art (MOBA) en Boston, el único museo del mundo dedicado al arte malo, formado casi en su totalidad con obras encontradas en la basura o donadas por artistas. Pero es tal el éxito de este museo y el número de visitantes, que de pasar a nacer en un sótano, ahora tiene tres instalaciones.

Su directora cuenta que el museo no tiene la intención de ofender a los dueños de las obras, ya que la mayoría las entregan voluntariamente, aunque también hay piezas recatadas de mercadillos y de gente que las dona al museo porque quieren desprenderse de ese cuadro horrible que tienen colgado en sus casas, de hecho junto a cada obra hay una nota que explica el origen de la misma. Pero no solo hay pinturas, también los escultores tienen su oportunidad de estar en este museo.

Algo que hay que destacar es que no se admiten cuadros que se hayan hecho mal intencionadamente, el artista ha de haber realizado el cuadro con todo su esfuerzo y buena intensión, aunque al final resulte ser un verdadero fracaso, pero para eso está este museo, para que estos cuadros no sean ignorados, tirados a la basura y puedan ser expuestos y visto por otras personas.

 

una exposición muy particular

No podía terminar el año sin que subiera algunos de los dibujos que he realizado con los años, cierto es que con el paso de los años he dejado de dibujar tanto como lo hacia antaño e incluso ya hace algunos años que no realizo ninguno, pero es algo que seguro retomare.

Aquí os dejo alguno de ellos, si ponéis un poco de vuestra parte quizás reconozcáis algunos de los personajes, por ayudaros un poco os diré que son de las series de manga-anime, Dragon Ball Z y One piece, posiblemente dos de las mejores series de todos los tiempos.

Gracias por haber participado en nuestro blog, y ¡¡¡ FELIZ NAVIDAD !!!

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DOS MUSEOS DESDE UN PUNTO DE VISTA ARQUITECTÓNICO

MUSEO DE ARTE MODERNO

Tan radicalmente moderno como el arte expuesto entre sus muros de mármol y de cristal, el Museo de Arte Moderno abrió sus puertas el 10 de mayo de 1939. Diseñado por los artistas modernos Goodwin y Durell Stone, el museo original ha incorporado añadidos y reformas de arquitectos famosos entre ellos Philip Johnson, quien diseñó una nueva ala en 1964: César Pelli, que construyó una torre residencial en lo alto del museo en 1984 a fin de reunir fondos para la ampliación del museo, y más recientemente, el arquitecto Yoshio Taniguchi, el cual renovó este último de arriba abajo.

Arte moderno

El acristalamiento espejado de la fachada principal del museo es producto de una reciente renovación diseñada por Yoshio Taniguchi. La estética minimalista procede del diseño original de 1939, y Taniguchi ha respetado el estilo internacional estricto del edificio en su reforma.

La fachada occidental

La fachada occidental original que da a la calle 53, era una construcción con una estructura de acero revestida con hileras horizontales de paneles de cristal y mármol blanco. Para muchos, se trataba de un diseño radical  extravagante en medio de filas y filas de brownstones. No obstante sobrevivió y hoy se reconoce que fue pionero del movimiento moderno en Nueva York.

JARDÍN ESCULTÓRICO

Diseñado por Philip Johnson, el Jardín EScultótico Abby Aldrich Rockefeller fue encargado por el miembro del consejo de administración David Rockefeller para conmemorar los logros de su madre en la fundación del MoMA. Este jardín interior es un paraíso moderno de cuidados arbusto, estanques rectilíneos y árboles delicadamente podados.

GUGGENHEIM NYC

Este museo es, en esencia, una espiral de hormigón armado que se abre al cielo. Esta simplificación de la forma del edificio no hace justicia a su majestuosidad, ya que Wright la concibió como una onda silenciosa e ininterrumpida, Wright rediseñó el modo en que la gente ve obras de arte creando un corredor continuo a lo largo del cual, las obras se exponen. Una espectacular cúpula de cristal de nervios rectos alumbra la rotonda central. Por desgracia, aunque resulta efectiva para iluminar el espacio central de bajo de ella, los amplios corredores sobresalen bloqueando la luz a las obras de arte, por lo que se hace necesario el uso de iluminación artificial. La moderna torre de 10 pisos que se añadió posteriormente de la muerte del arquitecto, resulta un contrapunto efectista. De estilo también moderno, es rectangular y desentona con las curvas originales del museo. Para el interior, Gwathmey Siegel & Associates empleó el diseño de rampa de Wright en una forma de mato rectilíneo. La combinación resultante de ambos edificios proporciona una experiencia de visita única.

RAMPA

Wright decidió diseñar el museo como una única espiral helicoidal porque imaginaba a los visitantes subiendo en ascensor hasta la última planta y luego bajando por la rampa para ver las obras de arte, hasta llegar a la salida en la planta baja.

LUCERNARIO

El lucernario circular con estructura de acero que corona el atrio central es un guiño a una arquitectura más clásica y un ejemplo del idiosincrásico diseño de Wright, que resultaba más moderno en su afán por romper barreras pero no seguía ningún estilo prescrito.

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EMPIRE STATE: UN ICONO ARQUITECTÓNICO

El Empire State, de 382 m de altura, y con mucho el edificio más famoso de la ciudad, fue de hecho un magnífico ejemplo de arquitectura económica. Cuando el ritmo de trabajo era máximo, se construyeron 14 plantas y media en diez días, y la torre entera se erigió en 18 meses. Además de la hazaña que supuso su construcción, el Empire State reinó como rascacielos más alto de Nueva York durante 42 años, ha aparecido en innumerables películas y recibe 3.5 millones de visitantes años. Puede que no sea tan hermosos estéticamente como otros, pero arquitectónicamente es un duradero icono.

PANORÁMICA DE ÉPOCA

Debido a su emplazamiento en Midtown y su altura, el edificio cuenta con unas vistas increíbles de todo Manhattan. Como ocurre con el Chrysler, sus retranqueos y su cúspide rematada en aguja señalan el Empire State como un rascacielos ART DECÓ y le otorgan una silueta inconfundible en el perfil neoyorquino.

SECCIONES ESCALONADAS

Al simplificar el diseño para ayudar a que la construcción fuera más rápida y menos costosa,  el arquitecto prescindió de la decoración. Así los retranqueos son funcionales, con las secciones inferiores apiladas. La simplicidad contribuye al atractivo diseño intemporal del diseño.

MASTIL

Aunque gran parte del diseño de la torre resulta sobrio (retranqueos lisos, marcos de ventanas sin ornamentar) el mástil de piedra en su cúspide es ART DECÓ clásico. La base escalonada y las aletas empujan el mástil hacia el cielo, el cual corona con una antena de TV demás de 60 m de alto, que se añadió más tarde.

DETALLE DEL VESTÍBULO

Todos los edificios de oficinas importantes han de impresionar al entrar en ellos, como el Empire State. Este detalle decorativo del vestíbulo es representativo de la época: una celebración de la industria capturada en un estilizado motivo metálico. El espacio de las oficinas era más utilitario, pero en el vestíbulo predominaban el mármol y el bronce.

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Hace unos años apareció un juego descargable tanto para Ps3 como para Xbox 360, su nombre Limbo, se trataba un juego de plataformas muy original desde el punto de vista gráfica, pues sus ilustraciones estaban realizadas con recortes de papel. el encargado de realizar este trabajo fue el fotógrafo y diseñador David A. Reeves, quien creaba cada imagen distribuyendolas en capas, desplazadas entre ellas para crear profundidad, incluyendo fondos borrosos de las nubes y las montañas.

Aquí se muestra como realiza este artista dichas obras:

 

Pero no solo encontramos estas escenas del juegos también, a confeccionados desde un duelo de vaqueros al mas puro estilo spaguetti wester, hasta un duelo con katanas que nos recuerda nos recuerda irremediablemente a las películas KILL BILL, pasando por imágenes que bien podrían haber sido extraídas de la serie The walking dead.

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Exposición +Paisaje

+PAISAJE surge como una iniciativa en la que se pretende mostrar las posibilidades del paisaje como herramienta para intervenir en el territorio, en la ciudad y en pequeños espacios. Con dicho objeto se ha integrado bajo un denominador común una exposición de trabajos de escuela y tres jornadas dedicadas respectivamente a la micro, meso y macro escala del paisaje.

El evento es organizado por el Máster Jardinería y Paisaje de la UPV y el Colegio Territorial de Arquitectos de Valencia. La exposición fue inaugurada el pasado 28 de noviembre y permanecerá abierta hasta el 10 de enero de 2014 en el CTAV. En ella se podrán visitar diversos trabajos de escuela como: El Parque Fluvial de Buñol, La Regeneración de la Cantera Les Pedreres de Godella o el Parque Gas Lebón en Valencia.

Los jueves 5, 12 y 19 de diciembre de 2013 se realizan una serie de conferencias, la presentación de una selección de proyectos finales del Máster en Jardinería y Paisaje de la UPV y un pecha kucha (un formato de presentación creativa, en el cual se expone un trabajo de manera sencilla e informal mediante 20 diapositivas mostradas durante 20 segundos cada una) de los alumnos del taller Urbanismo y Paisaje de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde expondrán los trabajos desarrollados durante el pasado curso.

En la exposición uno puede ver PFM del Máster en Jardinería y Paisaje de la UPV, proyectos final de curso de Urbanística 1, Urbanística 2 y Urbanística 3 del taller UP de la UPV, al igual los proyectos de las asignaturas de segundo y de quinto Proyecto del Paisaje de la UPV. Además de éstos, se exponen proyectos de la asignatura Urbanismo y Medio Ambiental y proyectos de Evaluación ambiental y del paisaje del MAAPUD.

Yo tuve la oportunidad de ir a la jornada del día 12, la conferencia tuvo el título: El parque y la transformación urbana: El Parque de Cabecera, cuyos autores: Arancha Muñoz, Eduardo de Miguel y Vicente Corell explicaron los pasos tomados para diseñar el parque que hoy en día disfruta Valencia en el rio Turia.

Luego de la conferencia, se explicaron 3 Proyectos Finales de máster en Jardinería y Paisaje, donde se mostraron propuestas del Parque fluvial de Buñol, Parque Central de Valencia y Parque Desembocadura Turia de Valencia.

Para finalizar la jornada, se realizaron los pecha kucha de los proyectos de Urbanística 1, Urbanística 2 y Urbanística 3 del taller UP, donde los alumnos mostrando sus propuestas para las zonas de intervención que se propusieron en la asignatura el curso pasado.

Una de las razones de ir fue que pertenezco al taller UP y quería ver cómo trabajaron los compañeros de tal manera de presentar sus proyectos, pero, ajeno a eso, me ha resultado interesante y muy productivo ver el trabajo de personas con distintos niveles de experiencia en el campo del urbanismo, ver las distintas formas de pensar las cosas y cómo resolver los problemas.

Lamentablemente no me ha sido posible asistir a la primera jornada y no creo que me sea posible asistir a la tercera, pero sinceramente, recomiendo a las personas que les interese el mundo del Urbanismo, que asista a la jornada de este jueves, o al menos que se pase por la exposición y observe el trabajo que los jóvenes arquitectos proponen y que puede que algún día disfrutemos del paisaje se refleja en ellos.

MATHS IS ART

Esta exposición se encuentra actualmente y hasta el día 18 del presente mes, en la sala de exposiciones de la Universitat Politècnica de València, situada en la planta baja del edificio del Rectorado.

El recinto (aunque de reducidas dimensiones), cuenta con gran cantidad de material expuesto, así como proyecciones donde se muestran vídeos donde una serie de matemáticos, filósofos y artistas en generan nos explica el origen e intención de la exposición.

Dicha exposición trata sobre las matemáticas y como a través de ella se pueden crear obras de arte, así se muestran aparatos informáticos de gran «antigüedad», construcciones geométricas mediante las matemáticas, etc.

A mi particularmente me recuerda a las construcciones artísticas, arquitectónicas, etc. de las civilizaciones mas antiguas (Egipto, Grecia, Roma, etc.), y esta exposición es como un paso aún más lejos, un paso dado mediante el empleo de maquinas.

La sala, con las paredes completamente pintadas de blanco, carece de luz natural y las obras están iluminadas mediante una luz artificial que las golpea directamente desde lo alto. Están correctamente dispuestas permitiendo apreciar las obras sin observar brillos en las vidrios que protegen algunas de ellas, pero existe una excepción y es en la especie de aparadores donde se disponen algunos documentos y figuras, que por culpa de la disposición de las luces nos permite acercarnos a ellos, con el problema de generar sombras sobre ellos.

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The Sculpture Graden. Museum Of Modern Art. NYC.

La fotografía muestra muy bien cómo se distingue éste museo de arte moderno del resto de edificios de oficinas de Nueva York. Pero nunca me hubiese imaginado encontrar todo un jardín de arte en el interior de éste edificio.

Éste es el aspecto que presenta éste jardín. Un lugar en el que parece que las esculturas han florecido del suelo, dispuestas de forma aparentemente aleatoria pero que en realidad se relacionan a la perfección, no sólo con el propio jardín, sino con el resto de la ciudad y los rascacielos que la rodean. Lo cierto es que cuando estuve en el lugar, no atrajo demasiado, no veía relación entre las esculturas, éstas últimas no me causaban gran impresión y tenía demasiadas ganas de pasar a la sección de los impresionistas. Fue más tarde, observando las fotografías que hice y reflexionando sobre la exposición cuando realmente me di cuenta de lo que quería transmitir la exposición.

 

 

Se trata de una exposición cambiante, renuevan las esculturas cada cierto tiempo. Hecho que realmente está bastante ligado con la idea de jardín, un lugar de naturaleza cambiante, evolutiva, «aleatoria», organizada por estaciones, que destaca frente a la solidez e inalterabilidad de la arquitectura de los alrededores. 

Lo primero que me encontré al llegar fue La Cabra de Pablo Picasso.

Ésta fue la escultura que más me llamo la atención la verdad. Se encontraba un poco apartada, como una flor delicada que hay que buscar para encontrar para de ésta forma apreciar más su valor. El bronce de la escultura destaca de la vegetación y del mármol, que a mi forma de ver pretende ser una continuación de la vegetación por los dibujos que presenta.

También cobraba bastante protagonismo la escultura del artista francés Maillol, muy bien puesta en valor debido a la presencia de la balsa de agua, que interactúa con la escultura y el reflejo de los edificios de alrededor.

Me llamó bastante la atención su postura y expresión. Su mirada no parecía mirar a ningún punto en concreto, una mirada perdida mientras parece caerse al agua.

 

Esta estructura de barras me suscitó cierto interés al resultar que ese entresijo de barras estaba ordenado y presentaba una composición compensada sin llegar a ser simétrica del todo si se contemplaba desde un punto de vista frontal. 

 

Lo interpreté como una explicación de lo que somos, de lo que es la naturaleza. Al ver un árbol, no se aprecia un orden, sino que se ven ramificaciones que se cruzan, se abren, se cierran, etc. Cuando en realidad, si se mira desde otro punto de vista, un punto de vista matemático, se observa que siguen unas normas, tales que la serie de Fibonacci. 

 

Apartada de toda vegetación y enmarcada con un fondo blanco para que destaque, se encuentra El Pájaro Lunar de Joan Miró.

Me sorprendió ver el título de la obra, ya que no supe distinguir bien que representaba.

 

En mi opinión se trata de la obra de arte mejor integrada en el medio. Su solidez podría representar los troncos de un árbol cortado del jardín al que hace referencia la exposición, pero el uso de ese material recuerda a las estructuras de acero empleadas para edificación de los rascacielos de ciudades como las de Nueva York. Con lo que presenta un doble relación: con su entorno inmediato y su entorno más global.

 

Por ello, todo el conjunto contribuyó a mi fascinación por esta escultura.

Por último, quería remarcar este árbol ya que a lo largo de la exposición encontramos esculturas dispuestas y tratadas como brotes de vegetación y, en cambio, ésta vegetación presenta cierto carácter escultórico en cuanto a la forma de sus ramas, sus dimensiones, etc. La exposición ha seguido fielmente la idea de jardín de las esculturas en cada detalle, y no es fácil encontrar una exposición que tenga presencia por ella misma, tenía que ser obra del MOMA.

 

Exposición. Alter ego II. Autorretratos en papel.

Esta exposición se encuentra actualmente en valencia, en el edificio de Las Naves. Es una serie de autorretratos realizados por alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la UPV, los dibujos, de gran tamaño están realizados en diversas técnicas como el carboncillo, pasteles, acuarela, tinta…

La sala de exposición con forma de L, organiza los dibujos tanto por técnicas como por contenido, por ejemplo hay una zona de retratos de busto y otro de desnudos, además se han colocado 3 cubos con dibujos en el suelo que permiten descubrir, girar y te obligan a ver desde otro punto de vista.

Habían retratos muy variados, que trataban de mostrar diversas personalidades, desde el humor, el miedo, la ternura… se puede ver que hay un trabajo muy complejo, porque es volcar toda una persona en un dibujo, pensar que quieres que la gente vea y piense cuando lo contemple y decidir que detalles y rasgos definen a una persona.

Ahora comentaré una serie de dibujos, los que más impresión me causaron y me parecieron más interesantes.

Este por ejemplo, me hizo gracia porque mostrarse vestido como militar de las guerras napoleónicas, es una cosa, que sin lugar a dudas impacta, por como una vestimenta puede llegar a dar una idea de una persona, que quizás sea correcta o no.

Este otro dibujo, de una madre con su hijo, muestra de forma muy clara la relación maternal existente entre las dos figuras, no te deja indiferente.

Esta pintura me recordó a los autorretratos de Goya, por el cabello alborotado, pero sobre todo por la mirada que parece una mezcla de serenidad y melancolía.

Este dibujo, de los pocos realizados con tinta, al acercarse se puede observar la gran minuciosidad de todos los detalles, además el rostro, medio humano medio maquina transmite inquietud y curiosidad. Es como una disección personal desde la piel superficial hasta lo más interno de la persona.

Este autorretrato me causo gran impacto, es como ver a una persona desvaneciéndose poco a poco, una personalidad que se diluye, por lo menos esa es mi lectura.

Este dibujo, visto fuera de la sala quizás no cause ninguna sensación, pero al estar el dibujo colocado casi a ras de suelo y tener esta perspectiva empleada por la dibujante, da la sensación que la persona se encuentra en la sala, y que en cualquier momento se va a levantar y salir del papel.

Y por último uno de los autorretratos, que más me hicieron reír.

Es sin duda el que parece haberle dado a su retrato una mayor dosis de humor, me recordó enseguida a muchos villanos del cine, por un momento a Don Corleone con su gato, pero enseguida vi que en realidad era más como los villanos de Austin Powers, una mezcla de los supervillanos de James Bond y humor sin sentido, solo que esta vez el Doctor Mal no tenia gato, tenia un chimpancé, lo único que faltaba en ese cuadro para conseguir algo redondo, era la versión reducida, «Mini Yo».

Subido por: Ander